制作一幅「水墨画」有何技术要点？

什么是「水墨画」？
水墨画，顾名思义就是指利用调配过浓度的水与墨创作出的画，它不仅仅是一种绘画形式，在更多时候，人们会将其作为中国传统绘画的代表，将其称之为国画或者中国画。
最基本的水墨画仅用水与墨完成，体现出黑白两色，而更为复杂的水墨画，也就是工笔花鸟画，则色彩缤纷，人们常常将这种进阶水墨画称之为彩墨画。
水墨画在中国绘画史上占有极重要的地位。它始于唐代，成于五代。唐以前，色彩一直在绘画中居于主要位置。古人视青、黄、赤、白、黑五色皆为正色，所以凡绘无不赋彩。「六法」论中就有「应物象形」和「随类赋彩」两大法则。
唐以后，自王维始，水墨画逐步在画坛发展开来，色彩绘画逐步淡化，进而所有的颜色均由「黑」一色承担，以至于后来「画以墨为主，以色为辅」，越来越突出了墨的主要地位，形成了富有特色的中国水墨画艺术。
水墨画以笔法为主导，充分发挥墨法的功能，「墨即是色」，用墨的浓淡变化替代色的层次变化，获得「墨分五彩」的艺术效果，从而使水墨画最终确立了在中国画史上的重要地位。

「水墨画」有何表现特征？
中国传统水墨画多以山水、花鸟为题材，工具有毛笔、墨和宣纸，根据水与墨的不同比例，可调配出干墨、湿墨、浓墨、淡墨、焦墨，画作大致可呈现出白、黑、灰三种颜色，但不局限于这三种颜色，被称为彩墨画的工笔花鸟画常常用到更为多样绚丽的颜色。
水墨画以毛笔作画，有中锋笔、侧锋笔、顺锋笔和逆锋笔，有点染、擦、破墨、拨墨等绘画技艺。传统的水墨画多在宣纸上成画，后经改革创新，亦可在衣服、壁纸、身体等不同材质上创作水墨画。
进阶的水墨画创作方法还有独具代表的「泼墨山水”法，即首先将墨蘸于画笔泼洒在纸上，再根据其形状即兴发挥。此法对皴法的运用极多，作画伊始需山水之形在于胸，因而对画师的绘画功底要求极高。
•        墨
墨作为一种中国画特有的绘画材料，画家们会通过对墨浓淡的调配，来表现出画作中不同的层次，比如浓墨、干墨、焦墨以及淡墨等。
与西方写实的绘画不同，中国传统水墨画并不会拘泥于世间万物的外在轮廓，更强调「以形写神」以及「似与不似」的境界，更多的时候，水墨画的笔墨间会透露出画作者的主观情趣，追求「意境」乃至 「境界」。[1]
墨、水和纸能相互交融，会产生不同程度的渗透，达到一种灵透的艺术效果。由于水墨和宣纸的交融渗透，会产生一种似像非像的意外效果，使人产生丰富的想象空间，因此，对同一幅作品，大家却可以有不同的理解。

•        点线面
点线面是水墨画创作中的基本，在点线面发展的基础上，我国水墨画创作中逐渐形成了画面形式与构成元素的渐变、密集、肌理、重复、色彩对比、色彩混合等。
我国传统水墨画，主要是以追求意境美，通过利用适当的对比可以让整个画作更加丰富。以吴冠中的画作为例进行分析，可以发现其对构成元素的运用是相当熟练的，将传统水墨画的精髓发挥得淋漓尽致。
我国的水墨画，在色彩的运用上，更多的是依托传统线性造型「以线为骨，以色为肉」。以王立全全水膜山水画《高峰秀色》为例，整个画面层次分明，其中色彩的运用更使得整座山峰气势磅礴、冷峻巍峨。作者使用了大量的冷色调，将高峰的巍峨俊俏展现出来，其中山峰的层峦叠嶂更加凸显整个画作色彩的灵活运用[5]。
•        笔墨技法
传统水墨画在「笔墨技法」这一艺术绘画的基本语言方式上继续发扬光大。水墨风格的发展，分为三个时期：工笔时期、小写意时期、大写意时期。由工笔时期发展到小写意时期再发展到大写意时期，这个进程就是写意化的过程，造型从「收」发展到了「放」，情绪寄寓上，由「隐」到「显」，而从总体来看，是写意化越来越明显。
在绘画风格上，工笔也可以说是文人画。但工笔是对画家本性的规范，写意相较于工笔，则是画家在规范本性下的相对突破和情感爆发。过分规范本性容易导致画面呆板，但过分放纵本性容易导致画面失控，都违背了中国画创作原则。

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水墨画需要一种晕开的感觉

水为形，墨为骨

水为形，墨为骨

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